La Casa de Papel se convierte en la primera serie española en recibir un Emmy Internacional. La ficción, creada por Álex Pina, ha recibido el galardón, en la categoría de Mejor Drama, esta madrugada en la 46º ceremonia de Los Premios Emmy Internacional, celebrada en Nueva York.

La serie original de Atresmedia, que actualmente emite Netflix, se enfrentaba a la aclamada serie de Amazon India, Inside Edge. Sus otros dos competidores eran la ficción británica Urban Myths y la brasileña Uno contra todos, cuyo actor principal, Júlio Andrade, fue nominado a los Premios Platino.

Dos de los productores ejecutivos de la aclamada serie han recogido el galardón. Se trata de Sonia Martínez, directora de Ficción de Atresmedia y Ález Pina, creador de la serie y productor ejecutivo de Vancouver Media.

El director general de Atresmedia televisión, Javier Bardají, ha recalcado que "para Atresmedia, La casa de papel es el máximo exponente" de su estrategia en ficción. "Una serie de calidad, de prestigio, respetuosa con los creadores, exportable y capaz de rentabilizarse al máximo", ha señalado.

La serie recibió el pasado mes de junio el premio a mejor serie dramática en el Festival de Televisión de Montecarlo y el premio Fénix a Mejor Serie. La Casa de Papel también fue elegida Mejor Serie Española y Premio Especial del Público en el Festival Internacional de Luchón (Francia). Recibió el Premio Iris a Mejor Guion, el premio Fotogramas de Plata como Mejor Serie Española o el premio del Festival MiM Series a la Mejor Dirección.

Tras el éxito internacional de La Casa de Papel, protagonizada por Úrsula Corberó, Álvaro Morte, Jaime Lorente, Alba Flores y Miguel Herrán, entre otros, Netflix renovó la serie española para una tercera temporada y, como era previsible, ha iniciado las negociaciones con el elenco para una cuarta entrega.

También estaba nominada a los Emmy Internacionales otra serie española en la categoría de Mejor Comedia. Creada y protagonizada por Ignatius Farray, El fin de la comedia, no logró alzarse finalmente con el premio, que se lo llevó la comedia israelí Nevsu.

El arte y la cultura en general ha sido siempre un enemigo para el totalitarismo. Muchos de los compositores que vivieron una época tan nefasta para Europa como el avance del nazismo previo a la Segunda Guerra Mundial, fueron tildados de enemigos del régimen, al igual que lo fueron multitud de pintores, escritores y exponentes de otras disciplinas que conformaron lo que se llevó en llamar Entartete Kunst, Musik en el ámbito que nos ocupa. Todo lo que no respondiera a la herencia de esa música genuinamente alemana instaurada a partir de Brahms o Wagner, que exhibiera aires modernistas o simplemente hubiese sido creada por los considerados inconformistas del régimen, judíos y bolcheviques fundamentalmente, fue directamente prohibida y sus autores proscritos, ya fuera en Alemania, Hungría, Francia o cualquier otro país amenazado por el avance nazi. La mayoría se exilió a Estados Unidos en una suerte de fuga de cerebros tan popular hoy por otros motivos aunque por una gestión igualmente prepotente y equivocada de nuestros intereses. A finales del siglo pasado Decca sacó al mercado una serie de compactos que celebraban esta música proscrita. Krenek, Korngold, Schreker, Zemlinsky, Weill o los que integran el programa de este concierto son sólo algunas de las víctimas de esta sinrazón, que sirven ahora para arropar el estreno a final de mes de dos títulos muy representativos de esta barbarie, El dictador de Krenek y El emperador de la Atlántida de Ullmann.

Que Juan Ronda es un magnífico flautista quedó perfectamente reflejado con un dominio absoluto del fraseo y la respiración, un control extremo del fiato y el legato y un prodigioso talento para extraer el instrumento un sonido sedoso y envolvente, ideal para recrear las atmósferas evocadoras y asfixiantes de las páginas programadas. A su lado brilló también Auxiliadora Gil, que combinó su probada aptitud técnica y agilidad para la acrobacia con un sentido de la expresividad encomiable, dado que gran parte de la responsabilidad de casi todas las piezas interpretadas confían su carisma y expresividad al teclado, dejando para la flauta cometidos melódicos y emotivos. Los músicos lograron transmitir el carácter amable y encantador de la Sonata de Hindemith, compuesta en 1936, destacando su opresivo segundo movimiento y el juguetón final de aires neoclásicos rematado con una sarcástica marcha. En el caso de la Suite Campesina Húngara se trata no sólo de música degenerada sino también transformada, dado que Bartók la compuso para piano a partir de las danzas populares que recopiló en diversos países del este, y que a su vez su alumno Paul Arma transcribió para flauta y piano. En ellas los intérpretes denotaron una fuerte compenetración, aunque la profesora quedase en este caso relegada a una posición secundaria.

Ya sola, Gil resolvió con un gran alarde de expresividad y un talento esculpido a fuerza de trabajo, la Sonata nº 6 de Victor Ullmann, que aunque nació católico en el seno de una familia judía, murió en Auschwitz y compuso mucha de su obra, incluida ésta y la ópera que veremos a partir del viernes 30, en el campo de Terezin. La sonata es una obra ambigua, oscura y desgarrada que la pianista exprimió hasta el último detalle y color, aunque en el proceso exhibiera a veces un sonido demasiado percutivo. En El mirlo negro de Messiaen fue Ronda quien cometió algún pequeño desliz que no empañó un trabajo excelente de mimetización con el pájaro especialidad de la casa. Otro pájaro, en este caso un whippoorwill (chotacabras) autóctono americano, es el homenajeado en la Sonata del francés Bohuslav Martinu, pudiéndose apreciar su vivaz ritmo en los movimientos extremos y el carácter lírico y melancólico del adagio central. La próxima cita será el jueves 29 con Pedro Halffter y Óscar Martín interpretando la Séptima de Mahler a dos pianos.

RONDA Y GIL ****
Ciclo Música degenerada.Juan Ronda, flauta.Auxiliadora Gil, piano. Programa: Sonata para flauta y piano, de Hindemith; Suite Paysanne Hongroise, de Bartók-Arma; Klaviersonate nº 6 Op. 49, de Ullmann; Le Merle Noir, de Messiaen; Sonata para flauta y piano, de Martinu. Sala Manuel García del Teatro de la Maestranza, martes 20 de noviembre de 2018

El Teatro de la Maestranza se suma, de nuevo, al Black Friday, ofreciendo un 10% de descuento en la compra de entradas para cualquiera de los espectáculos programados por el Teatro, y que estén en estos momentos a la venta:

· Pedro Halffter Caro y Óscar Martín (Música Degenerada)

· El dictador / El emperador de la Atlántida (Ópera)

· Juan Pérez Floristán, Pablo Barragán, Andrei Ionițã (Conciertos)

· Leo de María Morales-Herrero (Jóvenes Intérpretes)

· Joaquín Achúcarro (Piano)

· Coro Femenino de Cámara de la A. A. del Maestranza (Coros de Cámara)

· Ballet Nacional Checo: La bayadère (Danza)

· Veronica Cangemi, Carlos Mena, Orquesta Barroca de Sevilla (Recitales Líricos)

· La tabernera del puerto (Zarzuela)

· Quorum Ballet: Saudade / Back to fado (Danza)

· Orquesta Barroca de Sevilla, Stefano Barneschi, Nuria Rial (Conciertos)

· Malandain Ballet Biarritz: Marie-Antoinette (Danza)

· Álvaro Campos Jareño (Jóvenes Intérpretes)

· Ramón Vargas (Recitales Líricos)

· Il trovatore (Ópera)

· Javier Perianes (Piano)

· Rocío Márquez (Flamenco)

· Guillermo Tell (Ópera para familias)

· SQ4, Cuarteto de Saxofones (Jóvenes Intérpretes)

· Coro Masculino de Cámara de la A. A. del Maestranza (Coros de Cámara)

· Tulsa Ballet (Danza)

· Israel en Egipto (Ópera de cámara)

· Orquesta Joven de Andalucía (Conciertos)

La duración de esta campaña será de las 00,00 a las 23,59 horas del próximo día 23 de noviembre. Se pueden adquirir las entradas con el descuento mediante la página web www.teatrodelamaestranza.es o directamente en la taquilla del Teatro.

El cantante Miguel Ríos ha suspendido el concierto que iba a ofrecer el próximo sábado, 24 de noviembre, en el FIBES de Sevilla debido a una laringitis aguda que le provoca "disafonía", han informado esta noche a EFE fuentes de la organización del festival, Concert Tour.

Según les ha notificado la oficina de representación del cantante, la laringitis aguda que padece Miguel Ríos se debe "a un proceso inflamatorio agudo de origen vírico".

Los médicos le han prescrito un tratamiento con antibióticos, antiinflamatorios "y un reposo absoluto vocal profesional durante una semana", tras lo que volverá a ser evaluado clínicamente.

Ríos traslada su tristeza por la suspensión del concierto "esperando volver a la capital andaluza lo antes posible para disfrutar de 'Symphonic Rios' con la Orquesta Sinfónica Universal".

La devolución del importe de las entradas "se realizará por los mismos canales por los que se realizó la compra", han añadido las mismas fuentes.

El consejero de Cultura de la Junta de Andalucía, Miguel Ángel Vázquez, y el alcalde de Sevilla, Juan Espadas, presentaron ayer la exposición ‘Murillo. IV Centenario’, la primera muestra antológica dedicada al pintor sevillano en su ciudad natal, que podrá verse en el Museo de Bellas Artes de Sevilla (MBASE) entre el 29 de noviembre y el 17 de marzo de 2019. Según Vázquez, se trata de “la mayor exposición de Murillo que se vaya a celebrar o que se haya celebrado en España” y, gracias a ella, vamos a poder ver en Sevilla “la mayor concentración de murillos que jamás nos hubiéramos podido imaginar”.

“Esta muestra nos va a permitir conocer la verdad sobre el pintor sevillano, una de las figuras maestras del Barroco español y de la escuela pictórica sevillana, y nos va a dar una visión global y completa de Murillo, una visión clara que recorra toda su trayectoria y nos muestre diferentes temáticas”, ha afirmado Vázquez. En este sentido, ha incidido en que la exposición va a desmontar determinados prejuicios simplistas en torno a Murillo, “que es mucho más que ‘el pintor de las Inmaculadas’ o un pintor de temas religiosos, pues con su estilo y sus propuestas, marcó un hito en la historia de la pintura española, proyectando su arte desde Sevilla al conjunto de Europa”.

Por su parte, el alcalde ha recordado que no por hallarnos en el tramo final de la efeméride tenemos que pensar que esta última etapa es menos importante. Antes al contrario, la exposición del Bellas Artes y la de arte contemporáneo que presentará el Ayuntamiento en unos días, ‘Aplicación Murillo. Materialismo, charitas y populismo’, vendrán a ser el mejor colofón ambicioso programa de actividades que empezó hace justo un año. “Hemos conseguido el objetivo primero, que era convertir el cuarto centenario en una oportunidad para relanzar la imagen de Sevilla como ciudad culta, amante de la creación y con un sinfín de grandes nombres propios del mundo del arte. Para ello, nos hemos contagiado de la innovación que supuso Murillo en su época y, gracias a la investigación, hemos despojado al maestro de los prejuicios que han acompañado su figura para situarle en el lugar de la historia del arte que merece. Esto nos ha permitido atraer a un mayor número de visitantes en un año récord para el turismo, pero también lograr la implicación de los sevillanos en esta celebración”, se ha alegrado el alcalde antes de anunciar que Año Murillo ronda ya los dos millones de visitantes.

Comisariada por Ignacio Cano y Valme Muñoz, directora de la pinacoteca, la exposición del Bellas Artes está integrada por 55 lienzos, entre ellos tres del propio museo y otros procedentes de países como Inglaterra, Francia, Alemania, México o EEUU, prestados por colecciones privadas e instituciones, españolas y extranjeras, como la Tate Gallery de Londres, el Museo del Prado, el Louvre de París y el MET de Nueva York. Estas piezas se suman a las 17 de la exposición de los Capuchinos que aún puede verse en la Sala V del Museo, por lo que serán en total 72 obras de Murillo reunidas en el mismo espacio.

El consejero de Cultura también ha destacado que “muchas de estas piezas llevan mucho tiempo fuera de Sevilla y fuera de España, desde que salieron cuando fueron expoliadas, y eso es otro motivo de satisfacción”. Por último, Vázquez ha agradecido y felicitado a todo el “cualificado” equipo del museo por el “encomiable y ejemplar” trabajo realizado con esta exposición y con los actos del Año Murillo.

Resulta muy triste que hayan tardado tantos años en darle el Compás del Cante a la bailaora sevillana Manuela Carrasco, pero la buena noticia es que ya lo tiene y que se ha hecho justicia con ella, una de las bailaoras más grandes de la historia. Esta tardanza no es achacable a la empresa cervecera Cruzcampo, que se limita a nombrar un jurado competente y que cada miembro vote con libertad, que es como se ha hecho siempre, y lo sé bien porque formé parte una vez del jurado, el año que se le concedió al ya desaparecido cantar granadino Enrique Morente.

Recuerdo que formábamos el jurado Luis Caballero, Imperio Argentina, Fosforito y José Manuel Caballero Bonald, y que cada uno propusimos a un artista distinto. Fui yo quien propuso a Morente y tras un largo e interesante debate elegimos al maestro de Granada, quien recibió la noticia con sorpresa y alegría a la vez, porque pocas veces le habían reconocido su magisterio en Sevilla. Por eso sé que la empresa no propone, sino que elige el jurado que cree conveniente para cada edición.

Manuela Carrasco estaba algo enfadada con Cruzcampo por este motivo y alguna vez lo demostró en las entregas de la distinción a otros artistas. Ella sabía que era importante recibir una estatuilla que tenían ya Pilar López, Matilde Coral y Farruco, tres pilares fundamentales del baile flamenco. Para más inri, lo recibieron luego Milagros Mengíbar, Merche Esmeralda y La Yerbabuena. Se le seguía resistiendo a Manuela de una manera inexplicable. Pero por fin lo tiene y suponemos que estará contenta y que en primavera lo va a recibir con todos los honores, como corresponde a tan gran artista.

La gran bailaora de Triana es la número uno para muchos críticos, aficionados y artistas. En su estilo, la escuela gitana, no hay ninguna duda. Cuando apareció fue una verdadera revolución porque no había precedentes de esa manera de bailar tan gitana y flamenca a la vez, quizá con la excepción de Carmen Amaya. En el inicio de los setenta, Manuela era el diamante en bruto, una artista que atraía a miles de aficionados al baile cuando era anunciada en los carteles de los más prestigiosos festivales andaluces, los de verano, que fue donde se hizo bailaora, para a partir de ahí comenzar a ser reconocida fuera de Andalucía y de España.

Tuvo mucho mérito lo de la bailaora trianera, la hija de El Sordo, porque cuando salió había un ramillete de bailaoras muy importantes, entre otras, las indiscutibles Matilde Coral y Trini España, reinas del baile flamenco en aquellos años. Por no hablar de Isabel Romero, totalmente olvidada hoy. Pero Manuela pudo meter la cabeza entres las más grandes y abrir una nueva etapa del baile por derecho. Donde quiera que la anunciaran, ya fuera un festival de verano, un tablao o un teatro, se llenaban de gitanos y gitanas que no se querían perder a la que llamaban La Diosa.

La distinción flamenca por excelencia desde hace años, el Compás del Cante, reconoce también a una nueva figura del cante jondo, Alonso Núñez Fernández, conocido ya en medio mundo con el remoquete flamenco de Rancapino Hijo. En efecto, es uno de los hijos del gran cantaor chiclanero y, aunque canta desde niño, es en los dos o tres últimos años cuando se ha venido consolidando como una de las mejores voces de la nueva hornada de intérpretes del cante. Cantaor de buen gusto y de pellizco, seguidor del cante de su padre, pero también de Panseco, Camarón o Chiquetete. Una voz que dejó ya de ser una promesa para convertirse en una hermosa y esperanzadora realidad.

Obra: Ay Carmela

Texto: José Sanchís Sinisterra

Dirección: Fernando Soto

Intérpretación: Cristina Medina y Santiago Molero

Calificación: ***

Aunque se hizo popular por su personaje en una conocida serie televisiva, comenzó su carrera como actriz en los escenarios teatrales, a los que siempre vuelve porque, tal y como demuestra con este trabajo, Cristina Medina es un auténtico animal de teatro.

El personaje de Carmela de la obra de Sanchís Sinisterra es un caramelito para cualquier actriz que se precie, dado que encierra tanto la dimensión cómica como la dramática. En ese sentido no es fácil de interpretar, pero Cristina Medina lo borda dándole la nota justa de comicidad y ternura, derrochando talento y genialidad junto a su partener, Santiago Molero, quien nos brinda también una soberbia actuación.

La puesta en escena reproduce con fidelidad el estilo de Sinisterra, a caballo entre el teatro de texto tradicional y el teatro vanguardista. Así, el espacio escénico se decanta por una escenografía de corte conceptual y una iluminación que delimita simbólicamente los dos tiempos en los que transcurre la historia, pasado el presente. Pero mientras el primero se llena de luz y presenta un ritmo muy vivo, el segundo se envuelve con una luz tenue y marca un tempo más lento que resulta un tanto cansino en algunos momentos. Tal vez se deba a que Fernando Soto prima, por encima de todo, la dimensión cómica de la obra, que se vuelca principalmente en el perfil de los personajes. Lástima que, en ese empeño, la emoción se quede en un plano bastante secundario.

Ian McEwan es un reputado escritor británico que además de éxito editorial ha conseguido que gran parte de su obra literaria se lleve al cine. Como novelista, sus obras están marcadas por un comprometido componente político. También se le considera como un gran retratista de las complejidades de las relaciones personales y un sagaz narrador de controvertidos conflictos morales. Suyas son Last Day of Summer, dirigida por Vlad Yudin en 1984, El Jardín de Cemento, dirigida por Andrew Birkin en 1993, El placer de los extraños, dirigida por Paul Schrader en 1990, El Inocente, dirigida por John Schlesinger en 1993, Expiación, dirigida por Joe Wright en 2007 o la recién salida de cartel En la playa de Chesil, de Dominic Cooke.

En El Veredicto, su última novela llevada al cine, Emma Thompson trabaja sin descanso como jueza del Tribunal Superior de Londres especializada en derecho de familia. El éxito laboral la acompaña, pero el personal se desmorona porque su relación de pareja por dejación entra en crisis. Y será el desarrollo y evolución del caso de Adam, un joven de 17 años al que su familia le niega una transfusión de sangre por ser Testigo de Jehová, el que la sacará de su zona de confort, el que la sacudirá intima y emocionalmente y la motivará a cuestionarse el sentido de su vida.

Aseada hasta el agotamiento, su puesta en escena es sobria y funcional como en la mayoría de los productos británicos, El Veredicto, muestra el mecánico mundo de la judicatura y lanza sobradas dudas sobre las difíciles decisiones judiciales, más favorables a dejarse arrastrar por la moralidad o la letra impresa (en España sería por el poder económico o la fidelidad y sometimiento a un partido político), que en afanarse en la defensa de lo personal y humano. Serán las dudas de Fiona las que nos ayuden a reflexionar y a vislumbrar junto a ella los necesarios puntos de luz que siempre hacen falta en el camino.

El Veredicto (La Ley del menor) **

Reino Unido 2018105 min.

Dirección Richard Eyre Intérpretes Emma Thompson, Fionn Whitehead, Stanley Tucci, Jason Watkins, Ben Chaplin.

Drama

Trepidante, arriesgada, atrevida, intensa, espectacular... Son algunos de los calificativos que se merece esta nueva versión de Sergio Peris-Mencheta de ‘Lehman Trilogy’, la exitosa obra del dramaturgo y ensayista italiano Stefano Massini.

Tal como indica su título, la obra se define como una suerte de farsa a caballo entre la comedia y el teatro musical. Para ello Perís-Mencheta cuenta con seis intérpretes que rozan la excelencia, tanto en sus interpretaciones dramáticas como en las musicales donde no se limitan a cantar, sino que además tocan diversos instrumentos, como el banjo, el piano, la guitarra o el violín, cuyo toque Víctor Clavijo colma de intensidad dramática.

La historia gira en torno a la biografía de la familia Lehman comenzando por la llegada a EE.UU. de los tres hermanos que sentaron las bases para lo que acabó siendo uno de los mayores emporios financieros del mundo. Al principio eran solo unos comerciantes judíos inteligentes y soñadores. Pero en poco tiempo, y gracias a desgracias como un incendio o la guerra de independencia, se convirtieron en intermediarios de productos fundamentales en la economía del país, como el algodón, el café, los ferrocarriles e incluso el petróleo, hasta llegar a negociar exclusivamente con dinero, tanto con su propio banco, como en la bolsa. Todo ello se va desgranando en las otras dos partes, cuyos personajes centrales ya no son los hermanos sino el hijo mayor de uno de ellos y el nieto.

Perís-Mencheta apoya la puesta en escena en tres pilares fundamentales, la escenografía, la iluminación y la música. La primera es de Curt Allen Wilmer (conocido en el teatro sevillano por sus trabajos con Atalaya Teatro y la Compañía de Teatro Clásico) y EtudioDedos. Tiene como eje una plataforma circular giratoria que remite a las pistas circenses y permite a los actores entrar y salir en escena subrayando el hecho ficticio de la farsa, que aquí potencia su comicidad. La segunda es tan espléndida como cabría esperar, teniendo en cuenta que corre a cargo de Juan Gómez Cornejo; y en cuanto a la banda sonora, se compone de un recorrido tan singular como atrevido que va desde los cánticos eclesiásticos judíos al twist, pasando por los Beatles o Bob Dylan.

Con todo ello Perís-Mencheta elabora un discurso de ritmo trepidante que se sirve de toda una gama de recursos del lenguaje del teatro contemporáneo para revestir de espectacularidad la historia, sorprendiendo al espectador en la misma medida que lo descoloca. Aunque por desgracia, y aun manteniendo el ritmo arriba desde el principio, a partir de la segunda parte todo ello acaba por saturarnos y eso, unido a el intento de la obra de humanizar a los personajes, resta potencial crítico a la historia que, al final, se queda en una mera exposición de hechos con poco rigor histórico y una especie de panfleto contra el capitalismo que no aporta nada nuevo.

Obra: LEHMAN TRILOGY, balada para sexteto en 3 actos

Lugar: Teatro Central, 23 de noviembre

Compañía: El Barco Pirata

Autor: Stefano Massini

Versión y dirección: Sergio Peris-Mencheta

Música: Litus Ruíz, Xenia Reguant, Ferrán González y Marta Solaaz

Interpretación: Litus Ruiz, Pepe Lorente, Aitor Beltrán, Víctor Clavijo, Darío Paso y Leo Rivera

Calificación: ****

La joven compañía de danza, Hermanas Gestring parece haber encontrado un lenguaje escénico propio que juega con el surrealismo y el humor de lo absurdo dentro de los márgenes de la performance. Podemos apreciarlo en este montaje, en el que las dos bailarinas juegan, con la frescura y la desvergüenza que les caracteriza, con la idea de su propia muerte.

La primera escena comienza con la recreación de un sobrecogedor ambiente, solemne y sepulcral. Vestidas de negro, Greta y Laura caminan hacia atrás en el escenario perfilando un hermoso símbolo de nuestra condición mortal. Las luces tenues, el humo y el espacio sonoro recrean un ambiente envolvente que nos atrapa, sobre todo cuando ambas, con un maillot que dibuja la imagen de su esqueleto, entrelazan sus cuerpos con una pieza de danza cargada de intensidad dramática. Pero una vez que termina este número las bailarinas se visten de blanco y todo cambia. A partir de ahí la obra se dirige hacia un relato en el que prima el surrealismo y el humor de lo absurdo. La danza cede su protagonismo a la palabra, tanto hablada como cantada, y la obra se convierte en un juego escénico en el que la idea central, la muerte, no es más que una excusa para que ellas den rienda suelta a su imaginación, que aunque desbordante y desenfadada acaba jugándole una mala pasada.

La obra cuenta con una cuidada producción, fruto del crowfunding. Tanto la iluminación de Benito Jimenez, como el vestuario de Anna Jonsson, el espacio sonoro a cargo de LCC, Mopa, Diego Caro y Lorenzo Soria y las proyecciones de Diego Caro otorgan a la puesta en escena un entramado formal que raya la excelencia. Pero, por desgracia, no se puede decir lo mismo con respecto al contenido. Y es que, en su empeño por descolocar continuamente al espectador las Gestring, aun demostrando gracilidad y expresividad, así como dominio y limpieza técnica, van dejando la danza en un segundo plano para entregarse a un discurso humorístico un tanto deslavazado que se atreve incluso a jugar con la idea de la muerte por violación. Es humor, sin duda, pero maldita la gracia.

Obra: A muerte

Lugar: Teatro Central 24 de noviembre

Compañía: Hermanas Gestring

Creación y dirección: Hermanas Gestring y David Climent

Asistencia dramática: Verónica Morales

Interpretación: Laura Morales y Greta García

Calificación: **

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El director italiano Bernardo Bertolucci ha fallecido este lunes a los 77 años de edad, según informa el diario italiano el Corrieri Della Sera. El cineasta era el autor de numerosas película de gran éxito como ‘El último tango en París’ y obtuvo el Oscar en 1988 con ‘El último emperador’.

A lo largo de su trayectoria, el cineasta despertó grandes debates y mucha controversia. Fue galardonado en 2007 con el León de Oro al logro de toda una vida en el Venecia y recibió el mismo reconocimiento en 2011 con la Palme d’Or honoraria en el Festival de Cine de Cannes.

Bertolucci también fue Gran Oficial de la Orden del Mérito de la República Italiana y Medalla de Oro para el meritorio de la cultura y el arte.

El festival de música independiente Monkey Week, que cuenta con el apoyo del Ayuntamiento de Sevilla, cerró este fin de semana su décima edición, la tercera que se celebra en la ciudad y la más exitosa de su historia. Más de 12.000 personas han pasado por los 19 espacios escénicos del festival en las jornadas principales del festival, con una masiva afluencia en los escenarios públicos, ambos de acceso gratuito y ubicados en la Alameda de Hércules.

A ello se suman otras cifras de récord, como la presencia de 1.236 profesionales del sector, 410 músicos, 120 bandas, 174 conciertos y showcases, 195 periodistas nacionales e internacionales, 31 actividades destinadas a profesionales, como conferencias, talleres, mesas redondas, reuniones B2B o sesiones de networking, así como 98 delegados internacionales procedentes de países tales como México, Colombia, Argentina, Estados Unidos, Reino Unido, Portugal, Luxemburgo, Polonia, Austria, Eslovenia, Suecia, Bélgica, Holanda, Alemania, e Italia.

En este décimo aniversario, las cifras de Monkey Week SON Estrella Galicia son “apabullantes”, aseguran desde la organización, más si tenemos en cuenta que se ha colgado el "no hay billetes" durante tres noches seguidas en los conciertos celebrados en el Escenario SON Estrella Galicia, ubicado en el Teatro Alameda, espacio escénico del Ayuntamiento de Sevilla.

“Esta tercera edición del Monkey Week en Sevilla ha contado con más público que nunca, más conciertos que nunca, además de con más turistas que han visitado la ciudad este fin de semana atraídos por el Festival”, ha señalado el delegado de Hábitat Urbano, Cultura y Turismo, Antonio Muñoz, quien ha destacado también la vertiente profesional del evento “que sirven de encuentro para programadores y organizadores de conciertos y festivales con estas bandas emergentes”. De este modo, ha indicado el delegado, el Monkey viene a sumarse “al rico Otoño Cultural de la ciudad, tras la celebración de la Bienal de Flamenco, el Mes de Danza o el Festival de Cine Europeo”.

La Casa de la Provincia de la Diputación de Sevilla inaugura mañana a las 20:00 horas la exposición ‘Imagen y Símbolo’, del artista sevillano Sergio Romero Linares. Se trata de una muestra de pintura contemporánea en la que el pintor crea una iconografía propia mediante la transfiguración de elementos de la historia del arte.

‘Imagen y Símbolo’ consta de diecisiete piezas de gran y mediano formato en las que el artista desarrolla conceptos relacionados con la luz, el misterio producido por la ausencia de ésta, la figura humana y animal, así como su relación con la naturaleza. También los retratos son protagonistas de esta muestra en la que la finalidad es mostrar expresiones, sentimientos y emociones al espectador a través de composiciones con una gran potencia visual e impacto estético.

La exposición, comisariada por Jennifer Rodríguez-López, cuenta con el apoyo del Ayuntamiento de La Rinconada, localidad donde reside el pintor, avalando la calidad y el talento de este joven artista que, tras sus estudios en Bellas Artes en la Universidad de Sevilla y Roma, ha seguido formándose y obteniendo con ello amplios reconocimientos, premios y méritos como el premio a la excelencia universitaria que concede la Real Maestranza de Caballería de Sevilla o su estancia en la Fundación Antonio Gala para Jóvenes Creadores.

La exposición Imagen y Símbolo permanecerá en la Casa de la Provincia de la Diputación de Sevilla hasta el 6 de enero de 2019, pudiendo visitarse de martes a domingo (lunes cerrado) en horario de 10:00 a 14:00 y de 18:00 a 21:00, siendo la entrada totalmente gratuita.

Aunque aún le queda el día de hoy como director artístico del Maestranza, en el que dirigirá el doble programa de ópera El dictador y El emperador de la Atlántida, y mucho trabajo por delante hasta terminar una temporada que él mismo diseñó, Pedro Halffter aprovechó este recital a cuatro manos para visiblemente emocionado, casi sin poder articular palabra, despedir un año duro en el que ha perdido también a su madre, Marita Caro, a quien dedicó una propina muy personal, el Passacaglia y Fuga de Bach que tantas veces tocaron juntos en intimidad. Un regalo generoso, duro y dilatado tras el esfuerzo titánico de poner en pie una obra tan compleja y mastodóntica como la Sinfonía nº 7 de Mahler, en la transcripción para dos pianos que realizó el compositor y pianista italiano, contemporáneo de Respighi, Alfredo Casella.

Aplaudimos la iniciativa de contextualizar el estreno de dos óperas tan relacionadas con los totalitarismos del siglo XX a través de un ciclo de música degenerada. Pero ni podemos llamar ciclo a sólo un par de conciertos, por mucho que el Maestranza siga acuñando el término después de que con la crisis abreviara sus contenidos, ni podemos considerar la música de Mahler etiquetable como Entartete Musik sólo por su condición de judío. Ni vivió la época ni la censura que sufrieron los compositores contemporáneos al genocidio nazi, ni su labor como autor y director de orquesta se vio enturbiada, ni tuvo que emigrar ni pasar por campos de concentración y de exterminio como sí hicieron los artistas que se engloban en este por llamarlo así movimiento. Hay muchos músicos de los que tirar para haber completado esta escueta visión de lo que realmente se llamó Música degenerada, incluso algunos escribieron páginas que entroncan directamente con esta tragedia humana, como el luego reputado compositor cinematográfico Franz Waxman, que compuso una cantata en honor a los miles de niños que perecieron en Terezin, gueto en el que vivió sus últimos años Victor Ullman, el autor de Der Kaiser von Atlantis.

Hallfter y el pianista sevillano Óscar Martín ofrecieron una versión intensa y muy trabajada de la imponente sinfonía mahleriana, una de las más difíciles de su repertorio por su espíritu controvertido y contradictorio, potenciado con la renuncia a su brillante orquestación. Salvaron un primer movimiento sombrío y lleno de complejas estructuras, armonías, ritmos y texturas, sin atisbar en ningún momento el temible aturrullamiento. El diálogo fluyó sin complejos en el primer Nachtmusik, evocador y misterioso, mientras el scherzo central sonó algo dislocado y grotesco aunque de manera más moderada de lo deseable. Los pianistas captaron el espíritu amable y encantador del segundo Nachtmusik, cuyos ecos retumbarían después en la música de Korngold, y de paso captaron nuestra atención de principio a fin. Resolvieron la marcha fantasmal del rondó final de manera agitada y triunfal, potenciando de paso su efecto corrosivo y evidenciando un notable esfuerzo, exhaustos tras más de hora y media de tensión. Somos muchos y muchas quienes echaremos de menos el extraordinario trabajo desempeñado por el maestro frente a nuestro teatro lírico, lamentamos su cese y le brindamos los más sinceros y entusiastas ánimos.

HALFFTER Y MARTÍN ****

Ciclo Música Degenerada. Pedro Hallfter Caro y Óscar Martín, pianos.Programa: Sinfonía nº 7 de Mahler (versión para dos pianos de Alfredo Casella). Sala Manuel García del Teatro de la Maestranza, jueves 29 de noviembre de 2018

Alejandro Sanz regresa oficialmente este viernes con 'No tengo nada', el primer single de adelanto del próximo álbum que publicará a mediados de 2019 con el título de 'Hashtag'.

Para presentar este trabajo, el madrileño hará cuatro conciertos en España, empezando por Sevilla el 1 de junio en el Estadio Benito Villamarín.

Después será turno para Barcelona (8 de junio, RCDE Stadium), Madrid (15 de junio, Wanda Metropolitano) y Elche (21 de junio, Estadio Martínez Valero).

Las entradas para estas cuatro citas se ponen a la venta este lunes 3 de diciembre a las 10,00 horas en El Corte Inglés y Taquilla Mediaset. Más información en www.alejandrosanz.com.

De todos es sabido que la mayoría de las tragedias de Shakespeare giran en torno a emociones universales y la denuncia del carácter corrosivo del poder. Podemos comprobarlo con esta nueva versión de Otelo cuya puesta en escena, dinámica y efectista, parece estar dirigida a los más jóvenes.

En cuanto a la dramaturgia, llama la atención que Rodríguez utiliza a Desdémona para reivindicar la independencia de las mujeres, lo que desde luego no se contempla en la obra original, que dependiendo de su lectura puede incluso llegar a ser tachada de machista. No obstante, teniendo en cuenta el papel de la mujer en la época de Shakespeare, se podría decir que esta obra se adelanta a su tiempo denunciando los efectos trágicos y perversos que los celos y el sentimiento de dominio y propiedad del hombre sobre la mujer pueden llegar a desatar. Algo que, por desgracia, en nuestra sociedad está a la orden del día. Lástima que el feminismo se pierda en la escena del suicidio de Otelo, que acaba con un gesto romántico que nada tiene que ver con el maltrato de género.

La puesta en escena de Julio Fraga sitúa la historia en un tiempo indefinido, aunque claramente alejado del pasado, para centrarse en destacar el carácter violento y desmedido de los personajes masculinos. Así, la escenografía de Juan Ruesga reproduce un espacio escénico plenamente contemporáneo mediante una estructura, a modo de andamio, que lo mismo hace las veces de dormitorio que de taberna, entablando un curioso juego de diferentes planos de representación que potencia el dinamismo de las acciones. El vestuario y el maquillaje otorgan a los personajes masculinos un cierto aire de guerreros del futuro que nos recuerda a la estética de algunos vídeos juegos. Todo ello se alía con la música percutiva que los mismos intérpretes tocan en directo usando como instrumentos los paneles y varales de la escenografía, hasta elaborar un ritmo frenético, aunque decae en algunas escenas que resultan un tanto tediosas. Y es que, en su empeño por dotar al montaje de una impronta actual que atraiga a un público joven, Rodríguez renuncia a la profundidad del verso y Fraga determina un trabajo actoral que deambula entre el naturalismo de los protagonistas y la sobreactuación de los secundarios, determinando un trabajo actoral bastante irregular, a pesar de contar con un excelente y cuantioso reparto.

Obra: Otelo

Lugar: Teatro Lope de Vega, 29 de noviembre

Compañía: Compañía Clásicos Contemporáneos

Autor: William Shakespeare

Versión: Sergio Rodríguez

Dirección: Julio Fraga

Interpretación: Aníbal Soto, Josu Eguskiza, Tamara Arias, F.M. Poika, Paz Alarcón, Estrella Corrientes, Paco Luna, Juan Luís Corrientes.

Calificación: **

Es un placer disfrutar como público de un espectáculo tan completo y fascinante como el propuesto por Pedro Halffter en la recta final de su trabajo como director artístico del coliseo sevillano. De la misma forma que es un placer como crítico poder abrazar con orgullo y satisfacción el imponente trabajo realizado por el músico madrileño, a quien admiramos por estos más de diez años de propuestas a veces atrevidas y provocadoras, otras adaptadas a las necesidades coyunturales casi siempre conservadoras, e igualmente constatar el talento como director escénico de Rafael Rodríguez Villalobos, a quien conocemos desde mucho antes que decidiera embarcarse en esta locura que tanto reconocimiento le está reportando. Juntos han hecho posible una velada de ópera sensacional e irrepetible, que dejará huella en la memoria del teatro y de quienes se acerquen a él en cualquiera de las tres funciones programadas. Maridar a Hitler y Mussolini en una única cita operística es por sí solo digno de aplauso, y no comprendemos cómo en su estreno en Madrid hace dos años no se optó por esta inteligente solución que sí podemos disfrutar en Sevilla. Allí El emperador vino precedido de la pieza de Ullman según el poema de Rainer Maria Rilke Canto de amor y muerte del corneta Christoph Rilke, recitado por Blanca Portillo. Aquí por la ópera de cámara El dictador de Ernst Krenek, otro de los compositores que sufrió el ostracismo nazi y cuya música también recibió la etiqueta de degenerada. Hitler y Mussolini en la misma palestra, juzgados por la Historia y sometidos al ridículo y al análisis de esa memoria histórica siempre necesaria para que las barbaridades del ser humano no se repitan, empresa harto difícil dada nuestra naturaleza depredadora.

Recuerdo el escaso entusiasmo que nos suscitó la escenografía y dirección artística de Villalobos en su Serva padrona firmada junto a la Barroca de Sevilla que pudimos ver hace unos años en el Lope de Vega. Nada que ver con la frescura y la gracia destiladas en este Dictador colorista y desenfadado, en el que no falta la provocación (ese protagonista caracterizado como Trump podría dar mucho que hablar al otro lado del Atlántico si trasciende). Ridículo y mujeriego, tanto Mussolini como el rubiales que ocupa el despacho oval en la actualidad, su anécdota vodevilesca es llevada a escena con ritmo y vivacidad, desde esa balsa y el náufrago que recuerdan la tragedia de inmigrantes y refugiados, hasta esas televisiones que emiten dibujos animados para goce del estrambótico demonio, todo muy al estilo pop que hemos visto en el director canadiense Robert Carsen (Candide) y que entronca perfectamente con la música entre sarcástica e irónica de Krenek, muy bien planteada y paladeada por la batuta de Halffter, muy atento a no ensombrecer la potente labor del cuarteto vocal protagonista, destacando el esfuerzo y la figura de Nicola Beller Carbonne, y el considerable trabajo de expresión corporal desplegado por los cuatro, otro logro del joven director escénico.

Tras un estremecedor interludio musical del propio Halffter, In Memoriam Anne Frank, que sirvió para contextualizar la atmósfera en la que Ullman y Kien crearon El emperador de la Atlántida en la ciudad de Terezin, ese falso edén que los nazis idearon para recluir a quienes no se atrevían a aniquilar de momento, subieron a escena los extraordinarios decorados y vestuario ideados por Ricardo Sánchez Cuerda y Jesús Ruiz, esta vez sin la presencia de su árbitro, Gustavio Tambascio, fallecido a principios de este año, y ante cuya figura se descubrió un muy atento y humilde Villalobos portando su retrato en los aplausos finales. Pero el buen teatro, el ritmo, la elegancia y la portentosa puesta en escena que pudimos disfrutar anoche se debe al acertado trabajo del joven sevillano, sometiendo a todos sus personajes a un extraordinario trabajo expresivo, continuas acrobacias y sugerentes movimientos, bailarinas y espadachines incluidos, que embellecieron cada rincón del riquísimo escenario. Halffter presenta aquí su particular versión de una ópera que se concibió en un campo de concentración para apenas trece instrumentos y con aires cabareteros, y que su estreno en 1975 confirió ya un aire más posromántico y modernista, suntuoso y lírico, ahora potenciado con mayor orquesta, más pasajes instrumentales y más énfasis en la melancolía y la pesadumbre, por el sensacional trabajo de un melómano incansable como es Pedro Halffter, que imprimió a su batuta de una fuerza expresiva y evocadora extraordinarias, a lo que por supuesto la orquesta se plegó con su habitual profesionalidad. Gartner fue el dictador ideal, de voz autoritaria bien proyectada y una presencia turbadora, especialmente emotivo en sus melódicos manifiestos central y final. Lagares brilló por encima de cualquier otro trabajo suyo previo en este mismo escenario, con un trabajo infatigable y una voz perfectamente colocada. Labourdette fue en la primera obra grotesca y en la segunda conmovedora, especialmente en ese bellísimo cuarteto final que por sí solo justifica la consideración de este título como un hito operístico del siglo XX, por encima de las circunstancias coyunturales de su gestación. El bajo serbio Sava Vemic prestó su imponente físico y atronadora voz a una muerte de imborrable recuerdo, ratificando el acierto de casting de este doble programa en el que también destacaron las voces y las presencias de Vicente Ombuena y José Luis Sola, el primero como soldado en ambas óperas y Sola como Arlequín en la segunda. Tras el entusiasmo que nos ha generado esta propuesta lírica, sólo cabe esperar que quien sustituya a Halffter no haga decaer su magnífico trabajo y el recuerdo que en muchos de nosotros y nosotras deja su imborrable huella.

EL DICTADOR / EL EMPERADOR DE LA ATLÁNTIDA ****

Der Diktator, de Ernst Krenek. Rafael Rodríguez Villalobos, dirección de escena. Der Kaiser von Atlantis, de Viktor Ullman. Versión de Pedro Halffter Caro. Libreto de Peter Kien. Gustavo Tambascio, dirección de escena. Rafael Rodríguez Villalobos,reposición de la puesta en escena.Pedro Halffter Caro, dirección musical. Ricardo Sánchez Cuerda, escenografía. Jesús Ruiz, vestuario. Felipe Ramos, iluminación. Nuria Castejón, coreografía. Sebastián Alfie, diseño de video.Con Martin Gartner, Natalia Labourdette, Vicente Ombuena Valls, Nicola Beller Carbone, David Lagares, Sava Vemic, José Luis Sola y las bailarinas Cristina Arias y Marta Otazu. Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Producción del Teatro de la Maestranza (El dictador) en coproducción con el Teatro Real de Madrid y el Palau de les Arts de Valencia (El emperador de la Atlántida). Teatro de la Maestranza, viernes 30 de noviembre de 2018

Anne Teresa De Keersmaeker es un claro referente de la danza contemporánea que, por fortuna, los andaluces hemos tenido el privilegio de conocer y disfrutar desde que en 1984 Manuel LLanes, director artístico del Teatro Central, la trajera a Granada. No es de extrañar, por tanto, que este teatro se sume al homenaje que otros once teatros le han rendido en París. Gracias a ello hemos podido asistir al estreno en nuestro país de Achterland, una de las obras más emblemáticas de su trayectoria, que se estrenó en Bruselas en 1990.

La coreografía tiene como eje central la música, que se convierte en un elemento más de la propuesta. Juan María Braceras ocupa un puesto destacado en el escenario para tocar las sonatas 2, 3 & 4 de las “Seis Sonatas para violín solo” de Eugene Ysaÿe. El violín sirve de soporte a la danza de las bailarinas, cuyos movimientos se cargan de sensualidad y frescura. Y es que, si algo tienen en común las diferentes piezas, de corte secuencial y fragmentario, es que entre todas conforman una suerte de ritual de cortejo en el que la figura femenina adquiere una singular fuerza. Así, las bailarinas pasan de los tacones y trajes chaquetas convencionales a bailar con las piernas desnudas y revolcarse por el suelo con toda una gama de caídas desafiantes, convirtiendo en imágenes fulgurantes y libres los “8 estudios solo para piano” de György Ligeti, interpretados en directo por Wilhem Latchoumia. Al compás del piano los bailarines y bailarinas pasan de saltar o jugar con las sillas para delimitar figuras inquietantes, a retorcerse por el suelo, un elemento fundamental en esta coreografía con el que Teresa De Keersmaeker desafía los límites del ballet clásico hasta elaborar una suerte de diálogo en el que música y danza forman un todo indivisible.

Poco a poco la obra se dirige hacia un terreno más libre y lúdico que permite a los bailarines llegar incluso a elaborar piezas cargadas de comicidad. En ese sentido cabe destacar el acertado tratamiento del vestuario, que va incorporando el color gradualmente, así como las continuas rupturas de las simetrías. En general el corte secuencial de la coreografía abusa un tanto de la reiteración- delimitando una atmósfera un tanto fría- y a estas alturas ha perdido parte de su potencial trasgresor, aunque reproduce a la perfección el estilo característico de la creadora belga.

Obra: Achterland

Lugar: Teatro Central, 29 de noviembre

Coreografía: Anne Teresa De Keersmaeker

Puesta en escena: Jean Luc Ducourt

Composición musical: Joan Garriga

Música: György Ligeti, 8 estudios solo para piano (Désordre, Cordes vides, Touches bloquées, Fanfares, Arc-en-ciel,Automne à Varsovie, Galamb Borong, Fém)- Eugène Ysaÿe, Sonatas 2, 3 & 4 solo para violin. Músico piano: Wilhem Latchoumia Violín: Juan María Braceras

Intérpretes: Laura Bachman, Lav Crnèeviæ, José Paulo dos Santos, Anika Edström Kawaji, Bilal El Had, Yuika Hashimoto, Laura Maria Poletti, Soa Ratsifandrihana

Calificación: ****

Lo primero que llama la atención de Durante la tormenta, el tercer largometraje del director catalán Oriol Paulo, es su desbordante fuerza visual y su impactante sonoridad. Y esto se debe a que la película dispone de un potente diseño de producción al que le acompaña un ingenioso guión construido en dos tiempos. Arranca una noche de tormenta cuando la protagonista Vera, una mujer felizmente casada y madre de una niña, contacta a través de una televisión y una cámara de video con un niño que vivió en su casa 25 años antes. El hecho de salvar al niño de un hecho trágico hará que se cambien los acontecimientos pasados y presentes de ambos hasta el punto que los roles se mezclen en un elocuente y elaborado trampantojo.

A través de Vera y en su intento de recuperar a su familia y su vida, Paulo nos sumerge en un festival de sensaciones en la que cada giro y cada escenario es más angustioso y desesperante que el anterior. Ayuda su solvente dirección, una elaborada y competente puesta en escena y un elenco de primer orden en el que destaca la actriz Adriana Ugarte y el joven actor Julio Bohigas-Couto.

La sala cuatro del Alameda y tres del Avenida son posiblemente los cines que ofrecen las mejores condiciones de nitidez y calidad de sonido a la hora de ver y disfrutar de una película en la ciudad de Sevilla. Sus tamaños, las dimensiones de sus pantallas y la acertada colocación de los altavoces, aseguran espectáculo y diversión si las prestaciones de las películas acompañan. Eso sí, el local del Avenida necesitaría reestructurar la disposición de las butacas para alcanzar el nivel de excelencia. Tienen un pero salvable, ambas suspenden en adaptabilidad, su acceso no es universal.

Y nada mejor que ver espectáculo y entretenimiento en una buena sala, se agradece más. Durante la tormenta se proyecta en la sala 4 del cine Alameda.

Durante la tormenta ***

España 2018128 min.

Dirección Oriol Paulo Intérpretes Adriana Ugarte, Álvaro Morte, Julio Bohigas-Couto, Chino Darín, Javier Gutiérrez, Miquel Fernández, Francesc Orella, Clara Segura, Aina Clotet, Nora Novas.

Thriller.

Según una praxis muy extendida, no está bien visto que quien se encarga de escribir las notas del programa de mano de un concierto, lo que en cierto modo le implica en él, no debe hacer una reseña del mismo. Sin embargo puedo asegurar que me siento completamente libre de prejuicios y compromisos cuando me decido a escribir esta o cualquier otra reseña, y que debido a la excelsitud del caso, no podía dejar la ocasión de compartir mi impresión al respecto. Lo que anoche pudimos experimentar en el Teatro de la Maestranza excede considerablemente nuestras expectativas, y vaya si veníamos avisados ante el excelente sabor de boca que nos habían dejado Barragán y Floristán en tantas ocasiones anteriores en las que hemos podido disfrutar de ellos en su propia tierra. Todo un orgullo por lo tanto que demuestra cuánto talento joven ha emergido en Sevilla desde que por aquí recalan proyectos tan valiosos como los que ofrecen nuestras orquestas, la Universidad o la Fundación Barenboim-Said. Estamos de enhorabuena, sumergidos en un sueño encantador del que imploramos no salir y que el nivel de entusiasmo y excelencia que nos está demostrando esta juventud imparable no decaiga.

Sorprende por ello que entre el público se divise tan poco profesorado de estas instituciones, y aún peor, que con todas las facilidades que ofrece el teatro, no acuda más juventud que curse estudios musicales a estos eventos imprescindibles para su aprendizaje y enriquecimiento. Y ahora personalizo, que es algo que normalmente no me gusta hacer, pero es que recuerdo que siendo yo joven y habiendo desaprovechado la ocasión que me brindaron mis padres de aprender a tocar el piano y la guitarra, mi afición por la música y otras disciplinas artísticas me llevaba a invertir mi paga semanal en entradas para la entonces escasa oferta que teníamos en nuestra ciudad. El profesorado de nuestros conservatorios debería encontrar la manera de motivar más a su alumnado para que no pierdan la ocasión de asistir a eventos tan imprescindibles como el que anoche nos brindaron el pianista sevillano Juan Pérez Floristán y el clarinetista marchenero Pablo Barragán, a los que se unió otro gran amigo, el violonchelista rumano Andrei Ionita.

Aún con la respiración contenida y casi con lágrimas en los ojos, y mientras escucho el excelente registro que han grabado para el sello Ibs Classical, y que contiene las piezas de Brahms que interpretaron anoche, he de reflejar aquí la enorme belleza de la fuimos testigos en una comparecencia única e irrepetible. Floristán introdujo con gran elocuencia y saludable desparpajo el programa a interpretar, y a partir de ahí se siguió en una primera parte dedicada a Schumann un discurso musical tan coherente como emotivo. El pianista destiló fuerza, empuje y a la vez una enorme delicadeza en su lectura de los muy melódicos y danzablesPapillons, y antes de terminar ya se había incorporado Barragán para juntos ofrecer unas Romanzas Op. 94en las que el clarinete hizo gala de una enorme expresividad, facilidad en el sutil fraseo y generosa cantabilidad. De continuo, mientras abandonaba el escenario se incorporaba Ionita, y con la permanente complicidad de Floristán, destilaron unasFantasías Op. 73de calidades liederísticas, expresadas con la misma exquisitez y brillantez que el resto del programa. Las sensaciones se acentuaron aún más con las dos magistrales páginas que interpretaron en la segunda parte, un Brahms con el que celebraban la doble amistad que les une a ellos y a los dos compositores en los atriles. La sedosidad tanto del clarinetista como del chelista, sus transparentes y elocuentes fraseos, así como su generosa flexibilidad, acompañadas de un siempre preciso Floristán, tan respetuoso con sus compañeros como personal en sus intervenciones, jamás como un mero acompañante sino como el perfecto vértice de un triángulo al que Brahms regaló impagables oportunidades de lucimiento, lograron una sonata para piano y clarinete de rutilantes inflexiones dramáticas y un trío de avasalladores colores e impresiones sentimentales. La propina, un arreglo del propio Floristán para trío de una de las danzas argentinas de Ginastera, colmó nuestra capacidad de asombro y estremecimiento. Música de cámara servida de la mejor forma y en las mejores manos. Gran música de cámara servida en las mejores condiciones para completar una perfecta jornada de reflexión previa a unas elecciones autonómicas.

FLORISTÁN, BARRAGÁN E IONITA *****

Juan Pérez Floristán, piano. Pablo Barragán, clarinete. Andrei Ionita, chelo. Programa: Papillons Op. 2, Romanzen Op. 94 y Fantasiestücke Op. 73, de Schumann; Sonata para clarinete y piano Op. 120 nº 2 y Trío Op. 114, de Brahms. Teatro de la Maestranza, sábado 1 de diciembre de 2018